¿Dónde está la provincia de Mälaga?
(https://es.wikipedia.org)
Los Dólmenes de Antequera ya son Patrimonio de la Humanidad. El Comité del Patrimonio Mundial de la Unesco ha decidido reconocer con este galardón al conjunto megalítico en una reunión que ha comenzado esta mañana del día 15 de Julio de 2016 en Estambul (Turquía).
Un creciente aplauso ha seguido a la designación de este reconocimiento único para la provincia de Málaga, para toda Andalucía y para toda España.
Entrada al Dólmen de Menga
(http://www.eldiario.es)
Los Dólmenes de Antequera son un bien cultural formado por varios sepulcros megalíticos. Están considerados como una de las primeras formas de arquitectura y paisaje monumental de la Prehistoria europea.
El conjunto monumental es uno de los ejemplos mejor conservados y más grandes de Europa del megalitismo en el continente, superando al de Stonehenge, y con una antigüedad de 6.000 años.
Interior
(http://arqueoeducablog.blogspot.com)
La concesión de este galardón puede suponer un revulsivo turístico y cultural para el interior de la provincia de Málaga, ya que el conjunto de los Dólmenes atrajo a más de 100.000 personas.
(Tomado de http://www.abc.es Modificado por José I. Iglesia Puig sm el día 15 de Julio de 2016) A continuación te dejo un vídeo que te enseña estos Dólmenes y el paisaje que les rodea. Tiene algunas explicaciones en español, fáciles de leer y de entender.
¡Enhorabuena a Antequera, a toda Andalucía y a toda España... y también a toda la Humanidad, que tiene en Antequera un lugar tan bonito y especial!
Autoretrato (National Gallery de Londres)
(http://aznalfarache.blogspot.com)
El día 8 de diciembre, la Iglesia Católica celebra la fiesta de la Inmaculada Concepción. Explicado de manera sencilla y breve, esto quiere decir, que María fue concebida sin pecado original en vista a que Dios la había elegido como Madre de su Hijo. Con ocasión de esta fiesta, te presento un vídeo que nos presenta una Inmaculada de Murillo (1617-1682), que es conocido como el pintor de las Inmaculadas. En el vídeo, el locutor describe el cuadro que se encuentra en el Museo Arocena (Torreón Coahuila, México) y hace una breve interpretación del mismo.
Las Inmaculadas fueron muy difundidas por la escuela sevillana de pintura fundamentalmente durante los siglos XVII y XVIII. Uno de los autores más representativos es, sin lugar a dudas, Murillo, el artista que nos ocupa y cuya obra aparece en este vídeo. Más allá de la dulzura del modelo, el vídeo señala la calidad del dibujo del artista, su manera de colocar los ropajes a sus Vírgenes, sus colores y su simbología, su perspectiva aérea... todo estos detalles son características de su gran maestría técnica y artística y de su gran sensibilidad religiosa.
Inmaculada del Museo del Prado
((http://aznalfarache.blogspot.com)
Las Inmaculadas en particular y la representación de la Virgen María en general fueron un motivo artístico muy frecuente en el Barroco. Como el locutor muy bien explica, la Virgen María mereció una especial atención en el Concilio de Trento celebrado en la centuria anterior (1545-1563). María, encarna "la primera idea o concepción divina antes de todos los tiempos y antes de tocas las creaciones." Es por razón de la amplia difusión del tema mariano en el Barroco, que saber con exactitud el autor no es una tarea fácil. El mismo Murillo realizó una gran cantidad de ellas que fueron copiadas o bien por su propia escuela o bien por otros autores. Tampoco resulta fácil distinguir si se trata de una copia o un original, a cuya tarea se entregan los historiadores de arte más especializados. De acuerdo con algunos autores, y a la vista de otros ejemplos de Murillo conocidos, la de este vídeo es posterior a 1680.
Santiago Calatrava Valls
(http://www.jdiezarnal.com)
Controvertido en su tierra y reconocido en el extranjero. El ingeniero y arquitecto valenciano Santiago Calatrava ha sido reconocido con el Premio Europeo de Arquitectura 2015, galardón que otorga el Centro Europeo de Arquitectura, Artes, Diseño y Estudios Urbanos junto con el Ateneo de Chicago: Museo de Arquitectura y Diseño. Se trata "del más prestigioso reconocimiento de los que se conceden en el continente a aquellos arquitectos que han abanderado a lo largo de su trayectoria una arquitectura profundamente humana y han dirigido su obra hacia el compromiso con los principios del humanismo europeo", informa el estudio del autor en un comunicado.
Puente de la Paz de Calgary (Canadá)
(http://www.lafarge.com.es)
En declaraciones de Narkiewicz-Laine, presidente del Ateneo de Chicago, citadas por el estudio, Santiago Calatrava es "algo más que un arquitecto". "Calatrava es un teórico visionario, un filósofo y un utópico, además de un verdadero artista en ingeniería y en el expresionismo arquitectónico. Sus edificios no son sólo edificios, son obras de arte de gran alcance que han sido inspiradas por una mano dotada de maestría y esculpidas por el mejor ojo crítico. Son obras inmensamente evocadoras y ferozmente intelectuales".
En el fallo del premio, ambas instituciones han tenido en cuenta toda la carrera del arquitecto, destacando algunas de sus obras como la Estación de Ferrocarril de Stadelholfen, en Zúrich; el puente Bac de Roda, en Barcelona, que supuso el inicio de su reconocimiento internacional; el galardonado Puente de la Paz de Calgary, en Canadá; el Museo de Arte de Milwaukee, la premiada internacionalmente Facultad de Innovación, Ciencia y Tecnología de la Universidad de Florida; o la futurista Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia.
Sobre la ciudad de las Artes y las Ciencias el jurado afirma que "es testimonio de la gama de la visión de este arquitecto". "Al igual que la obra de su predecesor Antonio Gaudí, el maestro catalán de formas ondulantes, el complejo se acerca realmente a la fantasía arquitectónica", añaden.
Puente de la Paz de Calgary (Canadá) (http://noticias.lainformacion.com)
Además, también han querido destacar y reconocer las distintas exposiciones que ha realizado Santiago Calatrava en los principales museo del mundo, como el Museo del Hermitage de San Petersburgo (2012) y el MoMA de Nueva York (1992), así como en lugares tan emblemáticos como Park Avenue, que recientemente acogía la exposición de siete esculturas monumentales.
"Es significativo que el Premio Europeo de Arquitectura reconozca a Calatrava como arquitecto, ingeniero, escultor y pintor", añade Narkiewicz-Laine.
La entrega del Premio Europeo de Arquitectura a Santiago Calatrava tuvo lugar el pasado 17 de noviembre, en una ceremonia en el icónico intercambiador de transportes del World Trade Center de Nueva York, diseñado por el propio arquitecto.
(Tomado de http://www.abc.es y modificado por José I. Iglesia Puig sm el día 13 de Octubre de 2015)
El gobierno local de Torrevieja ha puesto en conocimiento de la Policía Local la desaparición de 250 piezas del belén municipal que se guardaban, habitualmente, en la cuarta planta del Teatro Municipal.
Los ediles de Fiestas y Cultura, África Celdrán y Alejandro Blanco, respectivamente, han confirmado esta desaparición, a preguntas de los periodistas, durante una rueda de prensa ofrecida para presentar el programa de las fiestas patronales que se celebran a principios de diciembre, momento que aprovechan para inaugurar el belén municipal.
Ambos han reseñado que estas piezas tienen un tamaño considerable y un destacable valor económico, que no han sabido precisar, pero, especialmente, «sentimental», dado que conforman este belén municipal desde hace dos décadas.
Por ello, han dado orden expresa a la Policía Local para que trate de averiguar su paradero.
Blanco ha señalado que el Teatro Municipal cuenta con cámaras de vigilancia que pueden identificar a las personas que hayan podido llevarse estas piezas, en caso de que así sea.
«Vamos a creer en la lógica y pensar que alguien, por alguna razón que desconocemos, las haya colocado en un sitio diferente», ha dicho Blanco.
Por su parte, Celdrán ha confirmado que las han buscado «por todos lados» e, incluso, que se han puesto en contacto con la anterior edil de Cultura, Lola Sánchez Roca, quien, al parecer, también desconoce su ubicación.
En caso de que no aparezca, según ha explicado, deberán denunciar esta desaparición.
(Tomado de http://www.abc.es Modificado por José I. Iglesia Puig sm el día 19 de Noviembre de 2015)
En el vídeo que te ofrezco a continuación, puedes ver algunas de las escenas de este Belén. Las imágenes están acompañadas por villancicos populares de esta zona de España. ¡Espero que te guste!
La familia del Infante Don Luis (1784)
(https://es.wikipedia.org)
Te ofrezco en esta entrada una entrevista con el comisario de la mayor exposición de retratos del pintor, que hoy 7 de octubre de 2015 abre sus puertas en la National Gallery de Londres.
Es la mayor exposición de retratos pintados por Francisco de Goya y Lucientes jamás vista. La exposición no se organiza en España, sino en la National Gallery de Londres, con numerosos préstamos españoles. Se exponen más de sesenta de los 150 que completó en sus 82 años de vida, Se trata del plato fuerte del otoño cultural londinense.
Xavier Bray, nacido en Londres hace 43 años, de sangre vasco francesa y apasionamiento latino cuando habla de pintura, es el comisario de la exposición. Aquí se reproduce una entrevista con él.
—Le ha dedicado usted diez años de su vida a esta exposición y llega ya a meta…
—Sí. La idea empezó en 2000-2001, cuando hice una pequeña exposición sobre uno de los grandes cuadros de Goya, «La familia del Infante don Luis». Luego me fui a Bilbao [fue conservador jefe del Museo de Bellas Artes de 2000 a 2002] y me encontré con dos retratos más que tienen allí: Moratín, el famoso poeta, y Martín Zapater, su gran amigo. De repente se me ocurrió hacer la exposición de retratos. La presenté a la National Gallery en 2005 y no hemos parado desde entonces. Goya siempre estaba en mi mente.
—Le confieso que como español me apena aunque no quiera que la mayor exposición hasta ahora de retratos de Goya no se haga en Zaragoza o en Madrid.
Carlos III cazador (ha 1786)
(https://www.museodelprado.es)
—Es lo típico. A veces no aprecias lo que está dentro del museo de tu ciudad y le toca al que viene de fuera animar el interés. Dicho esto, el Prado tiene unos retratos increíbles y ya cuenta su historia, aunque sea sin convertirlos en una exposición. Con Goya tendemos a fijarnos más en su mitología, su imaginación, la brujería, la superstición… Temas que son muy modernos y nos fascinan. La gente se aleja un poco de los retratos, piensa que no van a dar tanto fruto.
—¿En qué momento y cómo se aleja Goya de lo neoclásico?
—Hmm, esos términos con Goya, «neoclásico»… Goya no es así. Como dice él: «Tengo tres maestros, Velázquez, Rembrandt y la naturaleza». Y es verdad. Se fija en la gente, su sonrisa, sus orejas; la luz. Sí tuvo un entrenamiento clásico, pero la Academia de San Fernando lo rechazó dos veces. Tuvo que irse a Italia él solo a estudiar. Encontró su camino él mismo. Lo que vemos en la exposición es un pintor desarrollando su estilo. La primera sala es todo casi muy crudo, muy directo y sin finura. Hay muchas cosas en los cuadros, mesas, relojes… Poco a poco refina todo eso, pero siempre es él mismo, que es lo que me encanta. Hay una caligrafía constante en su pincelada.
—¿Se atreve a retratar la verdad de las personas al margen de su poder? ¿Taladra la psicología del retratado?
—La psicología no es algo que él busque. Le viene de forma muy natural. Sí se percibe que quiere entender a la persona, tener una empatía con ella. Hay una sensación de amistad con el retratado. —Sin embargo, piensas en un cuadro como «La Familia de Carlos IV» y no parece que les estuviese haciendo precisamente ningún favor… —En ese momento tenemos la Revolución Francesa en el país vecino. A Luis XVI, el primo de Carlos IV, le han cortado la cabeza. Goya tiene que tener mucho cuidado con el tipo de realidad que comunica. Detrás de los retratos reales estaba Godoy, el presidente del Gobierno, que quería controlar la imagen y su orden era: «El Rey y la Reina tienen que ser humanos como nosotros». Goya se adapta perfectamente a eso.
—¿Ha investigado usted qué tipo de relación mantenía con los retratados?
—Ha sido difícil, pero sí. Se ve que cuando tiene interés en una persona, o siente fascinación, o lo quiere homenajear, como sucede con Meléndez Valdés, es una cara muy directa. Meléndez Valdés era un gran idealista y un gran reformador.
—¿Era Goya un artista muy pendiente del dinero?
Los duques de Osuna y sus hijos (1788)
(https://www.museodelprado.es)
—No era de clase baja. Su madre era hidalga y su padre dorador. No era una familia muy rica y el dinero le interesaba, era muy consciente de él. Compraba acciones en el banco, propiedades. En cuanto junta un poco de dinero se compra una carroza de tipo inglés muy exclusiva. Es verdad que en sus retratos no elige a gente de la calle y puede que los utilizase para entrar en círculos a los que un pintor no tenía acceso. Los Osuna, los Altamira, los directores del banco… eran gente fascinante intelectualmente, pero que también le daban mucha ayuda en su carrera.
—¿Fue políticamente reservón? Visto de lejos parece un liberal que nunca acaba de mojarse, no vaya a ser…
—Eso es muy interesante, sobre todo lo que rodea a la llegada de los franceses y su posterior derrota. Los franceses vienen con muchas ideas liberales, que Goya compartía. Muchos de sus amigos son afrancesados que entran en ese nuevo régimen y cuando vuelve Fernando VII tienen que exiliarse. Goya está muy preocupado, quiere mantener en todo momento su cargo de pintor de la corte y hace todo lo necesario para pasar la prueba de purificación y conservar su sueldo.
—Hace «Los desastres de la guerra», pero también retratos de la corte de Pepe Botella…
—Sí, de hecho los «Desastres» no se publican hasta después de su muerte y solo los vio gente de su círculo muy, muy íntimo. Goya siempre baila sobre un hilo muy fino cuando hace retratos, es muy equilibrado, sabe dónde están sus intereses. Al final de su vida, en 1824, decide acudir a Francia a tomar los baños ya para escapar. Está triste. Desilusionado por lo que ha pasado políticamente en España. Todos sus amigos están fuera.
—¿Cómo le afectó la enfermedad de 1792-93 que lo deja sordo?
—Acentúa su manera de grabar con sus ojos lo que ve y su curiosidad visual. Estoy casi seguro de que podía leer los labios y entender. Leía muchísimo, por eso escribe tan bien, algo que lo diferencia de muchos otros artistas que no sirven para nada. Sus cartas tienen mucho humor y elocuencia.
Duquesa de Alba (1797)
(https://es.wikipedia.org)
—Un poco de salsa rosa: ¿Hubo meneo con la Duquesa de Alba?
—Noo. Para nada. Tenía una amistad muy grande y ella le dejó entrar en su círculo, que era muy dedicado al arte y la cultura. Se sintió feliz de acceder a la increíble colección de pintura de ella, una mujer muy rica y una aristócrata, pero enormemente caprichosa y capaz de hacer lo que le daba la gana. Eso fascinó a Goya, porque él también había roto con el arte antiguo para encontrar su yo. Sexual, nada. Pasión platónica en la amistad, sí.
Cuadros de Madrid a Dallas pasando por Nueva York
La exposición tendrá lugar del 7 de octubre al 10 de enero de 2016. Entrar costará 18 libras (25 euros). El Museo del Prado ha prestado diez de los cuadros y también figuran cesiones de coleccionistas y otros museos españoles. Por primera vez se verá en público el retrato de don Valentín Bellvís de Moncada, adquirido por el empresario Villar-Mir, según algunas publicaciones por nueve millones de euros.
El último cuadro que pintó Goya, en 1827, con 81 años y a unos meses de morir, es un retrato de su querido único nieto, Mariano. La obra viaja cedida por el Meadows Museum de Dallas, que la adquirió en 2013 por ocho millones de dólares, cuando la puso en el mercado el armador griego George Embiricos. De la Hispanic Society de Nueva York llega el retrato que se ha elegido como cartel, el de la Duquesa de Alba con mantilla negra, que solo se ha prestado en contadas ocasiones. El tardío retrato del doctor Arrieta, de 1820, viaja desde Minneapolis.
(Tomado de http://www.abc.es Modificado por José I. Iglesia Puig sm el día 6 de Octubre de 2015)
Gustav Eiffel (1832-1923)
(www.stars-celebrites.com)
La Torre Eiffel, uno de los símbolos por excelencia de París, pudo ser española. Así, por lo menos, lo pensó su diseñador, Gustav Eiffel cuando creó el proyecto. Sin embargo la ciudad de Barcelona rechazó el proyecto y la famosa torre se acabó convirtiendo en todo un icono de la capital francesa, que terminó de construirse, tal día como hoy hace 126 años, es decir el 31 de marzo de 1889.
La torre Eiffel durante su construcción
(www.abc.es)
La Exposición Universal de Barcelona de 1888 fue el acontecimiento elegido por Eiffel para su ya famosa torre, pero los coordinadores de la feria no la vieron con buenos ojos. Creyeron que 300 metros de hierro no encajaban demasiado con la estética de la Ciudad Condal y acabaron rechazando el proyecto.
Esta negativa no impidió que Eiffel continuara con su empeño y volvió a presentar su proyecto en la siguiente Exposición Universal. En esta ocasión era en la ciudad de París y los galos acogieron con los brazos abiertos la propuesta. Consideraron que la torre podía convertirse en un emblema con el que recordar aquel acontecimiento, aunque en ningún momento se barajó la posibilidad ni se pensó de que se quedara para siempre.
Etapas de la construcción
(www.toureiffel.paris)
Al terminar la Exposición Universal la Torre Eiffel iba a ser desmontada. Sin embargo entusiasmó tanto al pueblo galo que se paralizó el proyecto. Por esta razón todavía hoy más de 7.000 toneladas de hierro inundan el Campo de Marte en la capital francesa, recibiendo a siete millones de turistas cada año.
¿Habría tenido el mismo éxito la Torre Eiffel de haberse construido en Barcelona? Es una incógnita que nunca tendrá respuesta, pero está claro que Francia acogió la propuesta del ingeniero galo con gran alegría. Su propuesta triunfó y España se quedó para siempre sin los 300 metros de torre. Si quieres disfrutar en primera persona del monumento tendrás que emprender rumbo a París.
(Tomado de http://www.abc.es/viajar y modificado por José I. Iglesia Puig sm el día 31 de Marzo de 2015)
El hallazgo
(https://latunicadeneso.wordpress.com)
En el yacimiento arqueológico de Los Torrejones (Yecla, Murcia) se ha vuelto a producir un hallazgo arqueológico que es sorprendente. En esta ocasión el mes de noviembre de 2014 se produjo el importante hallazgo de un busto del emperador Adriano (76-138 d.C.), realizado en el año 135 después de Cristo. Se trata de una escultura esculpida en mármol blanco de 52 centímetros de alto y 25 centímetros de ancho. Junto a esta figura también ha sido hallada una cabeza femenina de la misma época. Estas piezas han sido localizadas junto a un edificio de grandes dimensiones, probablemente de planta rectangular, y del que tan solo se ha podido definir una pequeña parte del mismo.
El busto, que está datado en el año 135 d.C. se expondrá a partir de este fin de semana en el Museo Arqueológico Municipal de Yecla. Sus descubridores afirman que es comparable a los bustos existentes en el British Museum y en el Palacio de la Terma de Roma.
EL EDIFICIO
Las hipótesis que se barajan están en torno a que el citado edificio, donde se han registrado los hallazgos, tenga una función cultural de carácter público y que esté en relación con el culto al emperador Adriano, y por tanto, bajo su tutela. La segunda posibilidad, a juicio del arqueólogo Liborio Ruiz, sería que «el propietario de la villa romana de Los Torrejones y su familia hubiese pertenecido o estuviera relacionada con el círculo de personas o familias próximas al emperador». Para Ruiz, «este hallazgo abre unas nuevas expectativas en la investigación…».
EL BUSTO DEL EMPERADOR
El busto de Adriano encontrado
(https://latunicadeneso.wordpress.com)
Muñoz Molina, arqueólogo nacido en Yecla, describe el busto de mármol como «erigido sobre base o peana de sección cuadrada. Mantiene la cabeza ligeramente escorada hacia la izquierda. Tiene el rostro barbado y el cabello rizado, dispuesto en bandas onduladas, adquiriendo la zona de la frente un aspecto de aureola». Su conservación, una vez limpiada la pieza convenientemente, la califica de «excelente».
Por las características que presenta esta pieza-retrato del emperador Adriano, el responsable de las excavaciones afirma que « debemos considerarla de primer nivel en cuanto a la calidad del esculpido», y que puede ser comparable a las que existen en el British Museum de Londres, en el Palacio de la Terma de Roma o en el Museo Arqueológico de Sevilla, entre la decena de bustos de la época del emperador Adriano que hay en el mundo.
(Tomado de http://www.abc.es/cultura y modificado por José I. Iglesia Puig sm el día 22 de Marzo de 2015)
El Greco (autoretrato) (1595)
(http://detallelogia.blogspot.com)
Hoy 18 de diciembre la Fundación el Greco 2014, que preside Gregorio Marañón, ha hecho entrega a la Bibilioteca Nacional de un volumen de Giorgio Vasari (Arezzo, 30 de julio de 1511-Florencia, 27 de junio de 1574), arquitecto, pintor y escritor italiano —considerado uno de los primeros historiadores del Arte—, que contiene en sus páginas anotaciones de Domenico Theotocopuli, El Greco.
La Fundación ha adquirido este tercer volumen de Giorgio Vasari en la casa de subastas Christies’s por más de 250.000 euros (en venta abierta), según ha sabido ABC, mientras que los otros dos tomos han sido adquiridos por la propia Biblioteca Nacional de España. Era deseo de la familia propietaria del Vasari que pasara a manos de una institución pública para su estudio y conservación.
Se trata de pequeños textos escritos por la mano del genial pintor en los márgenes después de leer este libro de Vasari llamado «Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos» (Florencia, 1568)». El cretense replica, comenta, cuestiona y replica al biógrafo italiano, y lo hace con su peculiar letra de artista en cientos de anotaciones.
En este volumen se aprecian
las palabras del Greco en los márgenes
(http://www.abc.es)
Así lo ha confirmado a ABC el historiador y especialista del cretense Fernando Marías, catedrático de Historia del Arte y que fue comisario de la exposición «El griego de Toledo». «La importancia que tienen estos tres volúmenes es que están llenos de anotaciones del Greco; anotaciones que hacen referencia a los artistas de los que habla Vasari, o que se refieren a obras que el cretense ha visto en Italia. Es un testimonio muy importante que conocemos desde mediados del siglo pasado cuando fue dado a conocer por Javier de Salas, y finalmente la Real Fundación de Toledo editó en 1992 el conjunto de las anotaciones en un libro que yo publiqué como autor, «El Greco y el arte de su tiempo: las notas de El Greco a Vasari».
A juicio del experto, la importancia de esta donación del tercer tomo de Vasari radica en que «pasa de manos privadas al Estado y queda depositado en la Biblioteca Nacional».
(Tomado de http://www.abc.es Modificado por José I. Iglesia Puig sm el día 18 de Diciembre de 2014)
Desde hacía casi un siglo las paredes de la iglesia de San Clemente de Taüll (Lérida), uno de los nueve templos románicos del Pirineo protegidos por la Unesco como Patrimonio de la Humanidad desde el año 2000, estaban desnudas. Los frescos habían sido arrancados en 1920 por la Junta de Museos de Cataluña ante el peligro de que fueran robadas y vendidas en el extranjero.
El ábside de San Clemente de Tahull
(www.ccaa.elpais.com)
Sin embargo la tecnología y la aportación económica de 400.000 euros de un Banco han permitido que, desde noviembre del 2013, las pinturas vuelvan a lucir en sus paredes virtualmente.
En apenas 10 minutos un mapping permite, mediante la utilización de seis proyectores de alta definición, ver las pinturas arrancadas y trasladadas al Museo Nacional de Arte de Cataluña en Barcelona. De esta manera y en pocos minutos se puede comprobar el aspecto y color que tuvieron hace 800 años cuando fueron pintadas.
UN PROYECTO EN COLABORACIÓN
Detalle de la parte central
(www.ccaa.elpais.com)
Unos meses después de inaugurarse, el proyecto, una iniciativa del Departamento de Cultura de la Generalitat y la Obra Social del Banco La Caixa, ha recibido un premio internacional. En concreto ha recibido el premio al mejor proyecto multimedia en el congreso Museums and de Web celebrado en Baltimore. Este congreso es muy importante a nivel mundial y premia cada año los mejores ejemplos mundiales de proyectos digitales en el sector de museos y patrimonio cultural, natural y científico.
El proyecto ha coincidido con la restauración completa y la preparación de la iglesia para convertirla en un museo. Durante los trabajos de restauración se han recuperado las capas profundas de las pinturas murales del siglo XII, que han permitido fijar con precisión en la pared las nuevas imágenes virtuales proyectadas.
Aquí tienes dos fotografías del ábside y de la recreación de la pinturas. Si pinchas en ellas podrás ver con detalle el aspecto de las pinturas.
(Tomado de http://ccaa.elpais.com y modificado por José I. Iglesia Puig sm el día 6 de Junio de 2014)
La Reina de España ha inaugurado hace unas semanas la primera exposición del Greco en Toledo que celebra el cuarto centenario de su muerte. La persona que ha restaurado más cuadros del artista nos cuenta los detalles de esta ocasión "excepcional". La cadena de radio COPE ha sido la primera en entrar a la exposición.
En total en la exposición puedes ver cerca de un centenar de cuadros del Greco, llegados de una decena de países. "Es una ocasión única y excepcional y será difícil reunir tantas obras y tan buenas que han venido de todas partes del mundo”, explica Rafael Alonso, que ha restaurado casi 90 obras de este artista entre ellas ‘El Expolio’ o ‘El Caballero de la mano en el pecho’.
(www.clm24.es)
El restaurador considera "única" la exposición 'El griego de Toledo', que estará abierta hasta el 14 de junio en el Museo de Santa Cruz y en otros cinco edificios de la ciudad. “Son cuadros que se exponen por primera vez juntos en Toledo. Vamos a poder comparar obras de épocas distintas y cuadros que formaban parte de un conjunto y que ahora están dispersas. Además están presentadas en un espacio amplio con un diseño fantástico, muy bien iluminadas y limpias, como nunca se han visto los cuadros de El Greco”, advierte el restaurador del Museo del Prado.
Alonso es una de las personas que mejor conoce al artista griego de finales del Renacimiento. “Tenía carácter para defenderse", advierte. "Defiende que el arte es creación del espíritu por lo que debería de estar libre de los impuestos que pagaban los gremios. En Italia, de donde venía, era algo que ya tenían asumido".
La exposición 'El griego de Toledo' estará abierta hasta el 14 de junio en el Museo de Santa Cruz y en otros cinco edificios de la ciudad: la sacristía de la Catedral, la iglesia y la sacristía del Hospital Tavera, la iglesia de Santo Tomé, el convento de Santo Domingo el Antiguo y la capilla de San José.
La polémica está servida. 'Las Meninas', el cuadro pintado por Velázquez en 1656 y conservado en el Museo del Prado– podría tener una versión anterior realizada por el propio Velázquez como modelo preparatorio. La pintura pertenece a la colección de la mansión Kingston Lacy de Dorset (Reino Unido) y participó en la exposición del Prado 'Velázquez y la familia de Felipe IV', en el mes de octubre del año 2013.
El profesor Matías Díaz Padrón ha dedicado más de 20 años al estudio de este cuadro y esta es su conclusión.
UNA POLÉMICA ATRIBUCIÓN
La existencia de la obra en cuestión, una tercera parte menores que la del Museo del Prado, se conoce desde hace siglos. Sin embargo desde el siglo XIX se creía que su autor era Juan Bautista Martínez del Mazo, yerno de Velázquez. Esta propuesta era reforzada por algunos especialistas en la obra del pintor sevillano.
Las Meninas de Kingston Lacy (izquierda)
y de El Prado (derecha)
(www.hoyesarte.com)
Díaz Padrón apoya su tesis en los testimonios que aparecen en documentos de los siglos XVII, XVIII y principios del XIX. En estos documentos, académicos y expertos como el famoso pintor Goya y Jovellanos —figura de la Ilustración— aseguran por escrito que la obra pertenece a Velázquez. “Supongo que nadie dudará que Goya supiera distinguir un boceto de una obra definitiva. Las Meninas que hoy están en Kingston Lacy son de la mano de Velázquez y son las primeras”, asegura Díaz Padrón.
SIN RESPUESTA
Las Meninas de Kingston Lacy (izquierda)
y de El Prado (derecha)
(www.hoyesarte.com)
Por el momento, la comunidad científica guarda silencio sobre este tema hasta conocer todos los detalles de la investigación, de la que solo se ha conocido un avance parcial.
Nadie afirma ni niega —por el momento— esta nueva teoría de Matías Padrón. Este historiador es ex-conservador del Museo del Prado y miembro del Consejo Superior de Investigaciones Científicas. Además es el autor de más de 45 monografías, 500 artículos científicos y 400 atribuciones de pinturas de los siglos XVII y XVIII, ninguna de ellas rechazada a posteriori por la comunidad de especialistas internacionales.
Fue Díaz Padrón quien, en el Congreso Internacional de Historia del Arte de 2003, defendió por primera vez que Velázquez es el autor de Las Meninas de Kingston Lacy.
(Versión tomada de www.hoyesarte y modificada el día 21 de mayo de 2014 por José I. Iglesia Puig sm, autor de este blog) En el vídeo que te ofrezco a continuación, tienes una parte de este texto que acabas de leer, comentado con fotografías e imágenes. Te recomiendo su visión.
A los diez años de llegar a Toledo El Greco goza ya de una importante fama en la ciudad. La Iglesia le ha escogido como su pintor y le encarga muchas de las obras que se realizan en aquellos años en la ciudad. Así surge la obra maestra de El Greco: el Entierro del señor de Orgaz. La escena fue realizada para la iglesia de Santo Tomé -de la que el pintor era parroquiano - por encargo del párroco.
El protagonista del cuadro es el señor de Orgaz. Cuando murió don Gonzalo en el año 1323 pidió ser enterrado en su parroquia, la de Santo Tomé. En el momento de enterrar su cuerpo en la fosa, aparecieron milagrosamente San Esteban y San Agustín para depositarle, siendo éste el momento elegido por el pintor.
La obra se divide claramente en dos partes. La zona inferior es la tierra. El entierro, trasladado al siglo XVI, es contemplado por muchos nobles toledanos contemporáneos de El Greco. En el primer plano el milagro, con la figura de don Gonzalo en el momento de ser depositado por los dos santos: San Agustín -vestido de obispo- que le agarra por los hombros y San Esteban -como diácono- que le sujeta por los pies. Junto a ellos un niño vestido de negro. Se supone que es Jorge Manuel, el hijo de El Greco. A la derecha hay tres sacerdotes. A la izquierda hay dos figuras con hábitos religiosos.
Tras estas figuras se encuentran los nobles toledanos que asisten al milagro. Algunos han sido identificados. Están vestidos con trajes negros y adornos en el cuello de color blanco. Sus manos indican el escaso movimiento de la escena y refuerzan la expresividad de sus rostros, en los que El Greco capta diferentes estados de ánimo.
Esta zona inferior se circunscribe claramente en un rectángulo. Las figuras son manieristas: cabeza pequeña y resto del cuerpo alargado. También, en algunas de ellas, observamos la postura o maniera típica del manierismo, por ejemplo en San Agustín o en el mismo don Gonzalo que están enterrando.
En esta parte inferior dominan tres colores: blanco, negro y dorado. Curiosamente el dorado resalta la luminosidad del blanco y la oscuridad del negro. Los detalles de las vestimentas muestran la elevada calidad de la pintura de El Greco.
La zona superior se considera el cielo o la zona de Gloria, hacia donde se dirige el alma de don Gonzalo. Se organiza como un rombo que subraya el movimiento hacia arriba. Arriba del todo está Cristo que corona la composición. Viste de blanco -símbolo de pureza- y está sentado. A su derecha vemos a la Virgen, vestida con sus colores tradicionales, azul y rojo, que simbolizan la eternidad y el sufrimiento, respectivamente. Frente a María se sitúa una figura semidesnuda: es San Juan Bautista. San Juan Bautista y la Virgen son los medios de intercesión y salvación ante Dios. De esta manera se representa una Deesis, muy habitual en el arte bizantino. En el cielo encontramos también otros santos y ángeles. Podemos destacar a San Pedro, a la izquierda, pues lleva las llaves que son su signo.
Todas estas figuras del cielo también son de cabeza pequeña y cuerpo alargado. Además las figuras de la zona superior tienen mayor movimiento que las de abajo. Los colores son mucho más variados que en la parte inferior: el amarillo, el verde o el naranja, el azul, el rojo y el blanco.
Entre ambas zonas existen numerosos nexos de unión que hacen que la obra no esté formada por dos partes aisladas entre sí. El primero viene determinado por la luz, ya que el episodio se desarrolla en un interior y la única luz existente procede de la parte superior.
%2B02.jpg)
%2B1595.jpg)
.JPG)
.jpg)
.jpg)
